Một danh sách phim “hay nhất” dành riêng cho nửa đầu năm đặt ra một câu hỏi ngầm: Liệu có sự khác biệt đáng kể nào giữa nửa đầu năm và nửa cuối năm không? Ai cũng biết câu trả lời: Dĩ nhiên rồi. Nửa cuối năm — thực ra là một phần ba cuối cùng — ngập tràn những bộ phim câu khách giải thưởng, và điều đó có nghĩa là nó chắc chắn sẽ bao gồm nhiều tác phẩm nghệ thuật đình đám nhất năm. Theo định nghĩa, điều đó dường như khiến nửa đầu năm trở nên nhạt nhòa, kém sức hút hơn so với những gì diễn ra sau đó.
Nhưng thành thật mà nói, đó không phải là cách chúng ta nghĩ về vấn đề này.
Danh sách 10 bộ phim hay nhất năm 2025 của chúng tôi cho đến nay có bao gồm một hoặc hai ứng cử viên giải thưởng. Nhưng bản chất của những gì hấp dẫn về nửa năm này là có một sự bí ẩn đặc biệt đối với một bộ phim hay, vì lý do nào đó, không được coi là một con ngựa đua giải thưởng. Liệu “Black Bag” của Steven Soderbergh có kết thúc với tư cách là một đề cử phim hay nhất không? Chúng tôi thực sự nghi ngờ điều đó, nhưng nó là một viên ngọc quý. Và chúng tôi thách bạn nghe chúng tôi – thay vì làn sóng các nhà phê bình đã đánh sập nó – khi chúng tôi nói rằng “The Alto Knights” là một câu chuyện về Mafia được xây dựng để tồn tại lâu dài. Không thể tránh khỏi, có một chất lượng nghệ thuật mối mọt đối với những bộ phim hay nhất trong năm cho đến nay. Dưới đây là lựa chọn của các nhà phê bình phim chính của Variety là Peter Debruge và Owen Gleiberman về 10 bộ phim nổi bật hơn hẳn.
Các Hiệp sĩ Alto
Bị đánh giá thấp một cách tội lỗi. Được viết bởi Nicholas Pileggi và đạo diễn bởi Barry Levinson, đây không phải là “GoodFellas” hay “Bugsy”, nhưng đây là một bộ phim chính kịch đời thực đầy sức sống — phức tạp trong bạo lực, nhiều lớp lang trong bệnh lý xã hội — tạo ra một vị trí trong đấu trường của phong cách và đạo đức của Mafia. Phim nói về những tên gangster mà bạn từng thấy trên các bức ảnh báo lá cải — những ông già đeo kính và đội mũ phớt thống trị thế giới ngầm của Ý vào những năm 50 và 60. Robert De Niro vào vai hai trong số họ, và mặc dù anh đã bị chỉ trích dữ dội vì điều đó (“Tại sao họ không thể thuê hai diễn viên khác nhau?”), nhưng những gì De Niro mang lại trong màn trình diễn kép đáng kinh ngạc này là một đẳng cấp diễn xuất bậc thầy. Trong vai Frank Costello, anh ấy cực kỳ văn minh (lịch sự, chính trị, cố gắng sống trong thế giới thực), trong khi Vito Genovese của anh ấy là một kẻ nóng tính ích kỷ. Đó là sự phân chia quen thuộc giữa Charlie/Johnny Boy, Michael/Sonny, mà De Niro, hóa thân thành cặp bạn thân thù địch của giới mafia, đã nâng tầm thành một bức chân dung gần như huyền bí về bản ngã và cái tôi của thế giới ngầm. Đúng vậy, bộ phim là một bom xịt, cho thấy thể loại phim kinh dị máu me mafia chậm rãi không còn là thể loại kiếm tiền nữa. Nhưng hãy gọi “The Alto Knights” là khúc ca cuối cùng đầy mê hoặc của nó. — Owen Gleiberman
Túi đen
Theo thống kê gần đây nhất, James Bond đã ngủ với 60 phụ nữ trong suốt loạt phim 007, điều này khiến anh trở thành một điệp viên rất khác so với George Woodhouse của Michael Fassbender, một người hết mực chung thủy với vợ mình, Kathryn (Cate Blanchett). Tình cảm này là của cả hai, khi hai điệp viên đã kết hôn đặt mối quan hệ của họ lên trên hết, bao gồm cả việc cứu thế giới — đó là lý do tại sao George vô cùng thất vọng khi nhận ra vợ mình có thể là gián điệp trong bộ phim ly kỳ tao nhã, thông minh và hiệu quả đến tàn nhẫn của Steven Soderbergh. Nói về Bond, Pierce Brosnan xuất hiện với vai trò là sếp của cặp đôi trong một bộ phim mang đến tất cả những âm mưu mà bạn mong đợi ở thể loại này, bên cạnh một nghiên cứu điển hình sâu sắc về cách thức hôn nhân thành công: Một chút bí mật sẽ giữ cho mọi thứ trở nên hấp dẫn, miễn là cả hai bên có thể hoàn toàn tin tưởng lẫn nhau. Vi phạm điều đó, và bạn sẽ không chỉ phá hủy cuộc hôn nhân mà còn phá hủy toàn bộ Thế giới phương Tây. — Peter Debruge
Đưa cô ấy trở lại
Một bộ phim kinh dị hiếm hoi đủ ám ảnh để làm bạn mất ngủ. Yếu tố rùng rợn của nó bắt đầu với màn trình diễn tinh quái đến đáng sợ của Sally Hawkins trong vai một bà mẹ nuôi đến từ địa ngục, người đã nhận nuôi hai anh chị em mồ côi — Andy 17 tuổi (Billy Barratt) và cô em gái mù hợp pháp, Piper (Sora Wong) — dưới đôi cánh gãy của mình. Bà ta đã có một đứa con nuôi khác (một thiên thần-ác quỷ câm lặng, cau có, thích tự làm hại bản thân), cũng như một câu chuyện hậu trường, được thoáng thấy trên những băng VHS mờ ảo, lấy bối cảnh trong một giáo phái rùng rợn. Tất cả những điều đó nghe có vẻ hơi quá đà, nhưng “Bring Her Back” lại tiếp tục với logic ảo giác méo mó của một giấc mơ bị tổn thương. Trong phim truyện thứ hai của họ, hai nhà làm phim hài kinh dị người Úc Danny và Michael Philippou (“Talk to Me”) đã tìm ra những cách đáng sợ để khiến bạn phải rùng mình, đẩy mọi thứ đến bờ vực của sự vi phạm, sử dụng chấn thương gia đình để tạo ra một bản chiếu giao hưởng về hội chứng Munchausen do người khác tạo ra, tất cả đều được thể hiện bằng nụ cười quỷ quyệt của Hawkins. — OG
Nhiệm vụ bất khả thi – Sự phán xét cuối cùng
Đúng, phim quá dài, và không phải cảnh nào cũng được trau chuốt hoàn hảo. Tuy nhiên, vẫn có một luồng gió ngầm thấm đẫm nỗi kinh hoàng trong phần phim thứ tám của “M:I”, thổi hồn vào tinh thần hành động ứng biến của Ethan Hunt với mối nguy hiểm hữu hình. Bộ phim là cuộc đối đầu hiện sinh với ngày tận thế, khi mối đe dọa nham hiểm do Entity gây ra – một cơn ác mộng về AI trở nên hoang dã – làm tăng thêm sự hồi hộp. Trong cảnh quay đáng nhớ khi Hunt lần ra mã nguồn của Entity bằng cách trôi dạt qua xác một chiếc tàu ngầm bị đắm, dường như nhịp tim của chúng ta đã được đồng bộ với hoạt ảnh bị treo của mối nguy hiểm dưới nước. Và diễn xuất của Tom Cruise không bao giờ chỉ là điều hướng trò chơi gián điệp. Anh ấy tạo ra một cú lao về cảm xúc qua những điều không lường trước được, lên đến đỉnh điểm là một cảnh quay pha nguy hiểm trên không kéo dài với cảnh tượng “Không, điều này không thể xảy ra… Ôi trời, nó thực sự đang xảy ra” đến nỗi sự hồi hộp đáng sợ của nó hoàn thiện ý nghĩa của bộ phim. Những gì Ethan Hunt sẽ làm để cứu thế giới cũng giống hệt những gì Tom Cruise sẽ làm để cứu ngành điện ảnh. — OG
Người bạn đã khuất của tôi Zoe
Khi nước Mỹ chuẩn bị cho viễn cảnh một cuộc chiến tranh nước ngoài khác, thông điệp của bộ phim chính kịch mang tư tưởng hoạt động của cựu chiến binh Lục quân Hoa Kỳ Kyle Hausmann-Stokes dường như phù hợp hơn bao giờ hết: Xã hội không làm đủ để giúp những người đã phục vụ đất nước của họ thích nghi trở lại cuộc sống dân sự. Đó là một sự điều chỉnh gập ghềnh đối với Merit (Sonequa Martin-Green), người tự trách mình về cái chết của người đồng đội Zoe (Natalie Morales). Trong chuyến công tác của họ ở Afghanistan, cặp đôi này đã thề rằng họ sẽ luôn ủng hộ nhau. Giờ đây, Merit bị ám ảnh bởi cảm giác tội lỗi của mình. Là một hồn ma hoạt bát như bạn có thể gặp, Zoe xuất hiện vào những thời điểm không thích hợp, kể chuyện cười và can thiệp vào khả năng tham gia các buổi trị liệu nhóm của Merit (do Morgan Freeman, một trong nhiều cựu chiến binh ngoài đời thực trong dàn diễn viên giám sát). Trong khi đó, người ông cố chấp, hình mẫu của cô (Ed Harris), người đã chiến đấu ở Việt Nam, bác bỏ những lời bàn tán về PTSD. Nhưng thực tế vẫn là, có nhiều binh lính Hoa Kỳ chết vì tự tử hơn là trong chiến đấu, điều này cho thấy trách nhiệm chung của chúng ta là phải hỗ trợ những người như Merit, những người bảo vệ chúng ta bằng cái giá cá nhân to lớn. — PD
Một gia đình bình thường
Những bộ phim ăn khách của Hàn Quốc như “Squid Game” và “Parasite” đã chứng tỏ sức hút mạnh mẽ trong những năm gần đây đến mức khán giả không cần phải thuyết phục để xem một số tác phẩm mới hấp dẫn nhất của đất nước này — mặc dù bộ phim tâm lý căng thẳng, gai góc về mặt đạo đức của Hur Jin-ho đã lặng lẽ lọt vào tầm ngắm vào mùa xuân năm nay. Hãy theo dõi bộ phim, và chắc chắn bộ phim sẽ thu hút bạn ngay từ cảnh đầu tiên, trong đó một tài xế xe thể thao tức giận không thể giải thích được đã đâm vào một chiếc SUV. Màn hung hăng mở đầu đó tạo tiền đề cho đủ loại cảm xúc dâng trào, vô tình đẩy hai anh em vào thế đối đầu: Một người là luật sư được thuê để đại diện cho tài xế, trong khi người kia là bác sĩ đang chiến đấu để cứu cô gái bị thương, người đã may mắn sống sót sau vụ tai nạn. Nhưng đó chỉ là khởi đầu cho vô số vấn đề đạo đức của bộ phim, khi những đứa con tuổi teen của hai anh em đã phạm phải một tội ác khó hiểu, khiến gia đình không bình thường này trở nên hấp dẫn không kém gì các nhân vật trong “Adolescence” của Netflix (một bộ phim đủ điện ảnh để xứng đáng được đề cập danh dự trong danh sách giữa năm này). — PD
Những kẻ tội lỗi
Đây là một bộ phim về ma cà rồng xé toạc cổ họng. Và một bức chân dung âm ỉ, nhiều lớp lang về một cộng đồng thị trấn nhỏ ở Mississippi Delta vào năm 1932. Và câu chuyện về cặp song sinh trong thế giới ngầm, Smoke và Stack (được Michael B. Jordan thể hiện với sắc thái đáng sợ), những người trở về miền Nam sâu thẳm để mở một quán rượu vì họ muốn kiếm bộn tiền, và họ muốn làm điều đó với một kiểu tự do mới. Và đó là một viễn cảnh nhạc blues đại chúng, và về lý do tại sao thứ âm nhạc nguyên thủy đó lại dụ dỗ ma cà rồng như những con thiêu thân lao vào đống lửa, bởi vì chúng muốn sở hữu thứ âm nhạc đó, và hút nó vào bên trong chính mình, và hủy diệt nó, tất cả cùng một lúc. Nếu nghe có vẻ như có rất nhiều thứ đang diễn ra trong bi kịch kinh dị xã hội ngầm Robert Johnson-gặp-Ireland-Dracula của Ryan Coogler, thì đúng là có — đôi khi, có lẽ hơi quá đà. Tuy nhiên, thật phấn khích khi được phiêu lưu trong một thế giới tưởng tượng đầy mê hoặc như thế này, nơi những thế lực tà ác cộng lại thành một số phận áp bức. Coogler đã thề rằng sẽ không có phần tiếp theo, nhưng đoạn giới thiệu sau phần credit theo phong cách Marvel khiến bạn muốn và tưởng tượng ra một phần. — OG
Sly Lives! (hay còn gọi là Gánh nặng của thiên tài da đen)
Năm tháng trước, khi bộ phim tài liệu đầy ấn tượng và sâu sắc của Ahmir “Questlove” Thompson được công chiếu tại Sundance, chính tựa đề của nó đã là một sự thừa nhận về một thực tế đáng sợ — rằng Sly Stone, ngay cả trước khi qua đời, dường như đã biến mất khỏi mặt đất. Và không chỉ sự hiện diện của ông đã biến mất. Mà chính sự vĩ đại của thành tựu — và tầm ảnh hưởng — của ông, bằng cách nào đó, đã bị lãng quên. Cái chết của Stone, vào ngày 9 tháng 6, đã khơi mào một cuộc suy ngẫm về con người ông và tất cả những gì ông đã sáng tạo. Nhưng Questlove đã ở đó, đào sâu vào sự hòa nhập triệt để của Sly và Gia đình Stone, khám phá bí ẩn sáng tạo về việc Sly đã tạo nên bao nhiêu DNA funk-pop-soul của chúng ta, và khắc họa điều có lẽ là điều kỳ lạ nhất bị lãng quên về ông: ông là một ngôi sao nhạc rock tuyệt vời, uy nghiêm, cao lớn, phá vỡ mọi ranh giới, một nghệ sĩ có thể thống trị bất cứ nơi nào từ Woodstock đến “Ed Sullivan”, người đã hứa sẽ đưa bạn lên cao hơn và đã làm được, nhưng lại vật lộn với những con quỷ vừa mang tính cá nhân vừa mang tính văn hóa. “Sly Lives!” là bộ phim tài liệu âm nhạc như một cuộc khai quật đầy phấn khích. — OG
Xin lỗi, em yêu
Đến giờ, người hâm mộ A24 có lẽ đã nhận ra rằng hãng phim độc lập được yêu thích này sản xuất hai loại phim: những bộ phim gây sốc WTF gây rối loạn, như “Spring Breakers” và “Hereditary” (những gì tôi gọi là “phim kiểu nhà làm phim kỳ quặc”), và những bộ phim chính kịch đương đại nhạy cảm, theo kiểu “Past Lives” và “Moonlight” (đạo diễn Barry Jenkins của phim này cũng là nhà sản xuất cho bộ phim đầu tay của Eva Victor ra mắt tại Sundance). “Sorry, Baby” không chứa những tình tiết bệnh hoạn, tâm lý, thay vào đó thuộc về thể loại thứ hai nhẹ nhàng hơn. Biên kịch kiêm đạo diễn Victor (người mà bạn có thể nhận ra từ “Billions”) cũng đóng vai chính, vào vai một sinh viên mới tốt nghiệp trẻ đầy triển vọng tên là Agnes, người có sự nghiệp học tập gần như bị trật bánh khi cố vấn luận án của cô vượt quá giới hạn. Sự việc xảy ra ngoài máy quay nhưng đã định nghĩa lại cách Agnes nhìn nhận thế giới — từ cô bạn cùng lớp hay phán xét, người không thấy có gì to tát khi ngủ với giáo sư của mình cho đến người bạn thân luôn ủng hộ (Naomi Ackie) luôn thấu hiểu vô điều kiện. Một số người chỉ trích thế hệ của Victor vì tập trung quá nhiều vào chấn thương của chính họ, nhưng bộ phim có nhiều sắc thái hơn thế, khắc họa cách những người khác (bao gồm Lucas Hedges và John Carroll Lynch) dần dần giúp Agnes tin tưởng trở lại. — PD
28 năm sau
Từ “zombie” chỉ được nhắc đến một lần trong phần tiếp theo đầy nội tâm, bối cảnh cách ly của Danny Boyle, và ngay cả khi đó, nó cũng được nói bởi một người từ thế giới bên ngoài (người lính Thụy Điển Erik), người được cho là đã tiếp xúc với “The Walking Dead” và tất cả những bản sao Romero bùng nổ sau phần phim gốc “28 Days Later”. Bộ phim kinh dị tràn đầy năng lượng năm 2002 này không chỉ đẩy nhanh hiện tượng “xác sống” nặng nề mà còn tập trung lại nỗi sợ hãi tiềm ẩn của chúng ta về thây ma, không phải là những con quái vật ăn não chúng ta, mà là mối đe dọa của bệnh truyền nhiễm qua đường máu – đó là lý do tại sao loạt phim này gọi chúng là “người bị nhiễm bệnh”. Nhưng Boyle và biên kịch Alex Garland được cho là sẽ đưa phần tiếp theo đi đâu, khi giờ đây chúng ta đã cùng nhau sống sót sau một đại dịch ngoài đời thực? Giải pháp tuyệt vời của họ: tạo ra một ẩn dụ về cách loài người chúng ta đối phó với tình trạng khẩn cấp gây xáo trộn xã hội như vậy, cho chúng ta thấy thế giới qua con mắt của những đứa trẻ quá nhỏ để nhớ về Thời kỳ Trước đây. Thông minh hơn nữa, họ cung cấp một bối cảnh sâu sắc (Đền Xương) nơi khán giả có thể cùng các nhân vật suy ngẫm về những người đã mất vì bệnh dịch. — PD
